Fotografie: Cu amabilitatea Naturhistorisches Museum

Sculptura dvs. a istoriei artei, această figurină minusculă care măsoară puțin peste patru inci înălțime a fost descoperită în Austria în 1908. Nimeni nu știe ce funcție a îndeplinit, dar presupunerile au variat de la zeița fertilității la ajutorul masturbare. Unii cercetători sugerează că ar fi fost un autoportret realizat de o femeie. Este cel mai faimos dintre multe astfel de obiecte datând din epoca veche a pietrei.

Fotografie: cu amabilitatea CC/Wiki Media/Philip Pikart

Acest portret a fost un simbol al frumuseții feminine de când a fost descoperit pentru prima dată în 1912 în ruinele Amarnei, capitala construită de cel mai controversat faraon din istoria Egiptului Antic: Akhenaton. Viața reginei sale, Nefertiti, este un mister: se crede că ea a domnit ca faraon pentru o vreme după moartea lui Akhenaton – sau, mai probabil, ca co-regent al Regelui Băiat Tutankhamon. Unii egiptologi cred că ea a fost de fapt mama lui Tut. Acest bust din calcar acoperit cu stuc este considerat a fi opera lui Thutmose, sculptorul curții lui Akhenaton.

Fotografie: Cu amabilitatea CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

Descoperită în 1974, Armata de teracotă este un depozit enorm de statui de lut îngropate în trei gropi masive lângă mormântul lui Shi Huang, primul împărat al Chinei, care a murit în 210 î.Hr. Menită să-l protejeze în viața de apoi, se crede că Armata numără peste 8.000 de soldați împreună cu 670 de cai și 130 de care. Fiecare este în mărime naturală, deși înălțimea reală variază în funcție de gradul militar.

Fotografie: Cu amabilitatea CC/Wiki Media/LivioAndronico

Poate cea mai faimoasă sculptură a antichității romane,Laocoon și fiii săia fost descoperit inițial la Roma în 1506 și mutat la Vatican, unde locuiește până în prezent. Se bazează pe mitul unui preot troian ucis împreună cu fiii săi de șerpii de mare trimiși de zeul mării Poseidon ca răzbunare pentru încercarea lui Laocoon de a demasca viclenia calului troian. Instalată inițial în palatul împăratului Titus, această grupare figurativă în mărime naturală, atribuită unui trio de sculptori greci din insula Rodos, este de neegalat ca studiu al suferinței umane.

Fotografie: Courtoazie CC/Wikimedia/Livioandronico2013

Una dintre cele mai emblematice lucrări din toată istoria artei, David-ul lui Michelangelo și-a avut originile într-un proiect mai amplu de decorare a contraforturilor marii catedrale a Florenței, Duomo, cu un grup de figuri preluate din Vechiul Testament. TheDavida fost unul și a fost de fapt început în 1464 de Agostino di Duccio. În următorii doi ani, Agostino a reușit să dezgroape o parte din uriașul bloc de marmură cioplit din celebra carieră din Carrara, înainte de a se opri în 1466. (Nimeni nu știe de ce.) Un alt artist a reușit să se descurce, dar și el, doar am lucrat la el pentru scurt timp. Marmura a rămas neatinsă în următorii 25 de ani, până când Michelangelo a reluat să o sculpteze în 1501. Avea 26 de ani la acea vreme. Când a terminat, David cântărea șase tone, ceea ce înseamnă că nu a putut fi ridicat pe acoperișul catedralei. În schimb, a fost expus chiar lângă intrarea în Palazzo Vecchio, primăria din Florența. Figura, una dintre cele mai pure distilații ale stilului Înaltei Renașteri, a fost imediat îmbrățișată de publicul florentin ca un simbol al rezistenței proprii a orașului-stat împotriva puterilor care i se împotriveau. În 1873,Davida fost mutat la Galeria Accademia și o replică a fost instalată în locația sa inițială.

Fotografie: Cu amabilitatea CC/Wiki Media/Alvesgaspar

Recunoscut ca un inițiator al stilului înalt baroc roman, Gian Lorenzo Bernini a creat această capodopera pentru o capelă din Biserica Santa Maria della Vittoria. Barocul a fost indisolubil legat de Contrareforma prin care Biserica Catolică a încercat să oprească valul protestantismului care se avânta în Europa secolului al XVII-lea. Opere de artă precum cea a lui Bernini au făcut parte din programul de reafirmare a dogmei papale, bine servite aici de geniul lui Bernini pentru a impregna scenele religioase cu narațiuni dramatice.Extazeste un exemplu concret: subiectul său – Sfânta Tereza de Ávila, o călugăriță carmelită și mistică spaniolă care a scris despre întâlnirea ei cu un înger – este descris exact când îngerul este pe cale să-și arunce o săgeată în inima ei.ExtazNuantele erotice ale lui sunt inconfundabile, cel mai evident în expresia orgasmică a călugăriței și țesătura zvârcolită care înfășoară ambele figuri. Arhitect la fel ca și artist, Bernini a proiectat și decorul Capelei în marmură, stuc și vopsea.

Fotografie: cu amabilitatea Muzeului Metropolitan de Artă/Fletcher Fund

Artistul italian Antonio Canova (1757–1822) este considerat a fi cel mai mare sculptor al secolului al XVIII-lea. Opera sa a reprezentat stilul neo-clasic, așa cum puteți vedea în interpretarea sa în marmură a eroului mitic grec Perseus. Canova a realizat de fapt două versiuni ale piesei: una se află la Vatican din Roma, în timp ce cealaltă se află la Curtea de Sculptură Europeană a Muzeului Metropolitan de Artă.

Fotografie: Muzeul Metropolitan de Artă

În timp ce maestrul impresionist Edgar Degas este cel mai bine cunoscut ca pictor, a lucrat și în sculptură, producând ceea ce a fost, probabil, cel mai radical efort al operei sale. Degas modelatMicul dansator de paisprezece anidin ceară (din care au fost turnate copii ulterioare din bronz după moartea sa în 1917), dar faptul că Degas și-a îmbrăcat subiectul eponim într-un costum de balet propriu-zis (complet cu corset, tutu și papuci) și perucă din păr adevărat a făcut furori atunci cândDansatora debutat la a șasea expoziție impresionistă din 1881 la Paris. Degas a ales să-și acopere cele mai multe podoabe în ceară pentru a se potrivi cu restul trăsăturilor fetei, dar a păstrat fusta de balet, precum și o panglică care îi lega părul, așa cum erau, făcând figurina unul dintre primele exemple de obiect găsit. artă.Dansatora fost singura sculptură pe care Degas a expus-o în timpul vieții sale; după moartea sa, încă 156 de exemplare au fost găsite în atelierul său.

Fotografie: cu amabilitatea Muzeului de Artă din Philadelphia

În timp ce majoritatea oamenilor îl asociază pe marele sculptor francez Auguste Rodin cuGânditorul, acest ansamblu care comemorează un incident din timpul Războiului de o sută de ani (1337–1453) dintre Marea Britanie și Franța este mai important pentru istoria sculpturii. Comandat pentru un parc din orașul Calais (unde un asediu de un an de către englezi în 1346 a fost ridicat când șase bătrâni din oraș s-au oferit pentru execuție în schimbul crutării populației),Burgeriia evitat formatul tipic monumentelor din acea vreme: în loc de figuri izolate sau îngrămădite într-o piramidă deasupra unui piedestal înalt, Rodin și-a asamblat subiectele în mărime naturală direct pe pământ, la nivel cu privitorul. Această mișcare radicală către realism a rupt cu tratamentul eroic acordat de obicei unor astfel de lucrări în aer liber. CuBurgerii, Rodin a făcut unul dintre primii pași către sculptura modernă.

Fotografie: Cu amabilitatea CC/Flickr/Wally Gobetz

În 1912, Picasso a creat o machetă de carton a unei piese care ar avea un impact imens asupra artei secolului al XX-lea. Tot în colecția MoMA, a descris o chitară, un subiect pe care Picasso l-a explorat adesea în pictură și colaj și, în multe privințe,Chitarăa transferat tehnicile de tăiere și lipire ale colajului de la două dimensiuni la trei. A procedat la fel și pentru cubism, prin asamblarea formelor plate pentru a crea o formă cu mai multe fațete, atât cu adâncime, cât și cu volum. Inovația lui Picasso a fost aceea de a evita sculptarea și modelarea convențională a unei sculpturi dintr-o masă solidă. In schimb,Chitarăa fost fixat împreună ca o structură. Această idee ar reverbera de la constructivismul rus până la minimalism și nu numai. La doi ani după ce a făcutChitarăîn carton, Picasso a creat această versiune în tablă tăiată

Fotografie: Muzeul Metropolitan de Artă

De la începuturile sale radicale și până la ultima sa încarnare fascistă, futurismul italian a șocat lumea, dar nicio lucrare nu a exemplificat purul delir al mișcării decât această sculptură a uneia dintre luminile sale principale: Umberto Boccioni. Începând ca pictor, Boccioni a început să lucreze în trei dimensiuni după o călătorie la Paris din 1913 în care a vizitat atelierele mai multor sculptori de avangardă ai epocii, precum Constantin Brâncuși, Raymond Duchamp-Villon și Alexander Archipenko. Boccioni și-a sintetizat ideile în această capodoperă dinamică, care înfățișează o figură plină de pasi plasată într-o „continuitate sintetică” a mișcării așa cum a descris-o Boccioni. Piesa a fost creată inițial din ipsos și nu a fost turnată în versiunea sa familiară de bronz până în 1931, mult după moartea artistului în 1916, ca membru al unui regiment de artilerie italian în timpul Primului Război Mondial.

Fotografie: Cu amabilitatea CC/Flickr/Steve Guttman NYC

Născut în România, Brâncuși a fost unul dintre cei mai importanți sculptori ai modernismului de la începutul secolului al XX-lea și, într-adevăr, una dintre cele mai importante figuri din întreaga istorie a sculpturii. Un fel de proto-minimalist, Brâncuși a luat forme din natură și le-a simplificat în reprezentări abstracte. Stilul său a fost influențat de arta populară a patriei sale, care prezenta adesea modele geometrice vibrante și motive stilizate. De asemenea, nu a făcut nicio distincție între obiect și bază, tratându-le, în anumite cazuri, ca componente interschimbabile - o abordare care a reprezentat o ruptură crucială cu tradițiile sculpturale. Această piesă iconică este un portret al modelului și iubitului său, Margit Pogány, o studentă maghiară la artă pe care a cunoscut-o la Paris în 1910. Prima iterație a fost sculptată în marmură, urmată de o copie din ipsos din care a fost realizat acest bronz. Tencuiala în sine a fost expusă la New York la legendarul Armory Show din 1913, unde criticii l-au batjocorit și l-au pus la piloți. Dar a fost și cea mai reprodusă piesă din emisiune. Brancusi a lucrat la diverse versiuni aleDoamna Poganyde vreo 20 de ani.

Fotografie: cu amabilitatea Muzeului de Artă Modernă

Roata de bicicletaeste considerat primul dintre readymade-urile revoluționare ale lui Duchamp. Cu toate acestea, când a finalizat piesa în studioul său din Paris, chiar nu avea idee cum să o numească. „Am avut ideea fericită să atașez o roată de bicicletă de un scaun de bucătărie și să mă uit cum se întoarce”, va spune Duchamp mai târziu. A fost nevoie de o călătorie în 1915 la New York și de expunerea la marea producție a orașului de bunuri construite în fabrică, pentru ca Duchamp să vină cu termenul gata făcut. Mai important, el a început să vadă că a face artă în mod tradițional, artizanal, părea inutilă în epoca industrială. De ce să te deranjezi, a postulat el, când articolele fabricate disponibile pe scară largă ar putea face treaba. Pentru Duchamp, ideea din spatele operei de artă a fost mai importantă decât modul în care a fost realizată. Această noțiune – poate primul exemplu real de Artă Conceptuală – ar transforma complet istoria artei în viitor. La fel ca un obiect de uz casnic obișnuit, totuși, originalulRoata de bicicletanu a supraviețuit: această versiune este de fapt o replică care datează din 1951.

Fotografie: Muzeul Whitney de Artă Americană, © 2019 Calder Foundation, New York/Artists Rights Society (ARS), New York

Un accesoriu iubit al colecției permanente a Muzeului Whitney,Circul lui Calderdistilează esența jucăușă pe care Alexander Calder (1898–1976) a adus-o ca artist care a contribuit la modelarea sculpturii a XX-a.Circ, care a fost creat în timpul artistului la Paris, era mai puțin abstract decât „mobilele” sale suspendate, dar, în felul său, era la fel de cinetic: realizat în principal din sârmă și lemn,Circa servit drept piesa centrală pentru spectacolele de improvizație, în care Calder s-a mișcat în jurul diferitelor figuri reprezentând contorsionişti, înghițitori de sabii, îmblânzitori de lei etc., ca un maestru de ring ca un zeu.

Fotografie: cu amabilitatea Muzeului J. Paul Getty

În calitate de pictor și designer de tapiserii, precum și de sculptor, artistul francez Aristide Maillol (1861–1944) ar putea fi cel mai bine descris ca un neo-clasicist modern care a adus o întorsătură simplă, din secolul al XX-lea, statuării tradiționale greco-romane. El ar putea fi, de asemenea, descris ca un conservator radical, deși trebuie amintit că chiar și contemporanii de avangardă precum Picasso au produs lucrări într-o adaptare a stilului neoclasic după Primul Război Mondial. Subiectul lui Maillol a fost nudul feminin, iar înVizuină, el a creat un contrast între masa materială a subiectului său și felul în care ea pare să plutească în spațiu - echilibrând, parcă, fizicitatea obscure cu prezența evanescentă.

Fotografie: cu amabilitatea CC/Flickr/C-Monster

Artistă japoneză care lucrează în mai multe medii, Kusama a venit la New York în 1957 revenind în Japonia în 1972. Între timp, s-a impus ca o figură majoră a scenei din centrul orașului, una a cărei artă a atins multe baze, inclusiv Pop Art, Minimalism. și arta performanței. Ca o femeie artistă care s-a referit adesea la sexualitatea feminină, a fost și o precursoare a artei feministe. Lucrarea lui Kusama este adesea caracterizată de modele halucinogene și repetări ale formelor, o tendință înrădăcinată în anumite condiții psihologice – halucinații, TOC – de care a suferit încă din copilărie. Toate aceste aspecte ale artei și vieții lui Kusuma sunt reflectate în această lucrare, în care un scaun obișnuit, tapițat, este subsumat enervant de un izbucnire asemănătoare cu ciuma de protuberanțe falice din material umplut cusut.

Fotografie: Whitney Museum of American Art, New York, © 2019 Estate of Marisol/Albright-Knox Art Gallery/Artists Rights Society (ARS), New York

Cunoscută pur și simplu sub prenumele ei, Marisol Escobar (1930–2016) s-a născut la Paris din părinți venezueleni. Ca artistă, ea a devenit asociată cu Pop Art și mai târziu Op Art, deși din punct de vedere stilistic, nu a aparținut niciunui grup. În schimb, ea a creat tablouri figurative care au fost menite ca satire feministe ale rolurilor de gen, celebrități și bogăție. ÎnFemei și câineea preia obiectivizarea femeilor și modul în care standardele de feminitate impuse de bărbați sunt folosite pentru a le forța să se conformeze.

Fotografie: cu amabilitatea CC/Flickr/Rocor

Cutia Brillo este poate cea mai cunoscută dintre o serie de lucrări sculpturale create de Warhol la mijlocul anilor '60, care au dus efectiv investigația sa asupra culturii pop în trei dimensiuni. Fidel numelui pe care Warhol i-a dat atelierului său – Fabrica – artistul a angajat dulgheri pentru a lucra într-un fel de linie de asamblare, bătând în cuie cutii de lemn în formă de cutii de carton pentru diverse produse, inclusiv Heinz Ketchup, Kellogg's Corn Flakes și Campbell's Soup, ca Ei bine, tampoane de săpun Brillo. Apoi a pictat fiecare cutie cu o culoare potrivită cu originalul (alb în cazul lui Brillo) înainte de a adăuga numele produsului și logo-ul pe serigrafie. Create în multipli, cutiile au fost adesea afișate în stive mari, transformând efectiv orice galerie în care se aflau într-un facsimil de înaltă cultură a unui depozit. Forma și producția lor în serie au fost probabil un semn din cap la — sau o parodie a — stilului minimalist, în curs de dezvoltare. Dar adevăratul punct deCutia Brilloeste modul în care apropierea sa de lucrul real subminează convențiile artistice, implicând că nu există nicio diferență reală între mărfurile manufacturate și munca din atelierul unui artist.

Fotografie: cu amabilitatea CC/Flickr/Esther Westerveld

Numele lui Donald Judd este sinonim cu Minimal Art, mișcarea de la mijlocul anilor ’60 care a distilat tulpina raționalistă a modernismului în elementele esențiale. Pentru Judd, sculptura însemna articularea prezenței concrete a operei în spațiu. Această idee a fost descrisă de termenul „obiect specific” și, în timp ce alți minimalisti au îmbrățișat-o, Judd a dat ideea cea mai pură expresie, adoptând cutia ca formă de semnătură. Ca și Warhol, le-a produs ca unități repetate, folosind materiale și metode împrumutate din fabricația industrială. Spre deosebire de conservele de supă ale lui Warhol și de Marilyns, arta lui Judd nu se referea la nimic în afară de ea însăși. „Stivele” sale sunt printre cele mai cunoscute piese ale sale. Fiecare constă dintr-un grup de cutii identice de mică adâncime din tablă zincată, care ies din perete pentru a crea o coloană de elemente uniform distanțate. Dar Judd, care a început ca pictor, a fost la fel de interesat de culoare și textură ca și de formă, așa cum se vede aici prin lacul auto-caroserie cu nuanță de verde aplicat pe fața frontală a fiecărei cutii. Interacțiunea lui Judd de culoare și material oferăFără titlu (stivă)o eleganţă pretenţioasă care îi înmoaie absolutismul abstract.

Fotografie: cu amabilitatea CC/Flickr/Rocor

La fel ca Benglis, Hesse a fost o femeie artistă care a filtrat postminimalismul printr-o prismă probabil feministă. Evreică care a fugit din Germania nazistă în copilărie, ea a explorat forme organice, creând piese din fibră de sticlă industrială, latex și frânghie care evocau pielea sau carnea, organele genitale și alte părți ale corpului. Având în vedere trecutul ei, este tentant să găsești un curent subteran de traumă sau anxietate în lucrări precum aceasta.

Fotografie: cu amabilitatea Muzeului de Artă Modernă

În urma lui Judd și Flavin, un grup de artiști s-a îndepărtat de estetica minimalistă a liniilor curate. Ca parte a acestei generații postminimalist, Richard Serra a pus conceptul de obiect specific pe steroizi, mărindu-i considerabil scara și greutatea și făcând legile gravitației parte integrantă a ideii. El a creat acte de echilibrare precare din plăci de oțel sau plumb și țevi cântărind în tone, care au avut ca efect să confere un sentiment de amenințare lucrării. (În două rânduri, montatorii care instalau piese Serra au fost uciși sau mutilați când lucrarea s-a prăbușit accidental.) În ultimele decenii, munca lui Serra a adoptat un rafinament curbiliniu care a făcut-o extrem de populară, dar la început, lucrări precum One Ton Prop (House of Cards), care prezintă patru plăci de plumb sprijinite împreună, și-a comunicat preocupările cu o directie brutală.

Fotografie: Cu amabilitatea CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

Urmând tendința generală contraculturală din anii 1960 și 1970, artiștii au început să se revolte împotriva comercialismului lumii galeriilor, dezvoltând forme de artă radical noi, cum ar fi lucrările de pământ. Cunoscută și sub denumirea de land art, figura principală a genului a fost Robert Smithson (1938–1973), care, împreună cu artiști precum Michael Heizer, Walter De Maria și James Turrel, s-au aventurat în deșerturile din vestul Statelor Unite pentru a crea lucrări monumentale care au acţionat în concordanţă cu împrejurimile lor. Această abordare specifică site-ului, așa cum a ajuns să fie numită, a folosit adesea materiale preluate direct din peisaj. Așa este cazul lui SmithsonDebarcader în spirală, care iese în Great Salt Lake din Utah de la Rozel Point pe malul de nord-est al lacului. Fabricat din noroi, cristale de sare și bazalt extras la fața locului,Măsuri Spiral Jetty1.500 pe 15 picioare. A fost scufundat sub lac timp de zeci de ani, până când o secetă de la începutul anilor 2000 a adus din nou la suprafață. În 2017,Debarcader în spiralăa fost numită opera de artă oficială din Utah.

Fotografie: Cu amabilitatea CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

Lucrarea semnăturii artistului de origine franceză,Păianjena fost creată la mijlocul anilor 1990, când Bourgeois (1911-2010) avea deja optzeci de ani. Există în numeroase versiuni de scară diferită, inclusiv unele monumentale.Păianjeneste menit ca un omagiu adus mamei artistului, restauratoare de tapiserii (de unde și aluzia la înclinația arahnidei de a învârti pânze).

Shutterstock

Câștigător al prestigiosului premiu Turner în 1994, Antony Gormley este unul dintre cei mai celebri sculptori contemporani din Marea Britanie, dar este cunoscut și în întreaga lume pentru interpretarea sa unică a artei figurative, una în care se bazează variații mari de scară și stil. în cea mai mare parte, pe același șablon: O distribuție a propriului corp al artistului. Este adevărat pentru acest monument enorm înaripat situat în apropierea orașului Gateshead din nord-estul Angliei. Amplasat de-a lungul unei autostrăzi majore,Îngerse înalță la 66 de picioare în înălțime și se întinde pe 177 de picioare în lățime de la vârful aripii la vârful aripii. Potrivit lui Gormley, lucrarea este menită ca un fel de marcaj simbolic între trecutul industrial al Marii Britanii (sculptura este situată în țara cărbunelui Angliei, inima Revoluției Industriale) și viitorul său postindustrial.

Cu amabilitatea CC/Flickr/Richard Howe

Numit afectuos „The Bean” de către locuitorii din Chicago pentru forma sa elipsoidală îndoită,Cloud Gate, piesa centrală de artă publică a lui Anish Kapoor pentru Parcul Millennium al celui de-al doilea oraș, este atât operă de artă, cât și arhitectură, oferind o arcadă pregătită pentru Instagram pentru cărucioșii de duminică și pentru alți vizitatori ai parcului. Fabricat din oțel cu oglindă,Cloud Gatereflexivitatea și scara mare a lui distracție o fac cea mai cunoscută piesă a lui Kapoor.

Cu amabilitatea artistului și a lui Greene Naftali, New York

Opera lui Rachel Harrison combină un formalism desăvârșit cu talentul de a impregna elemente aparent abstracte cu semnificații multiple, inclusiv politice. Ea pune la îndoială cu înverșunare monumentalitatea și prerogativa masculină care o însoțește. Harrison creează cea mai mare parte a sculpturilor ei prin stivuirea și aranjarea blocurilor sau plăcilor de polistiren, înainte de a le acoperi într-o combinație de ciment și flori picturale. Cireșul de deasupra este un fel de obiect găsit, fie singur, fie în combinație cu altele. Un prim exemplu este acest manechin deasupra unei forme alungite, stropite cu vopsea. Purtând o pelerină și o mască de Abraham Lincoln orientată cu spatele, lucrarea prezintă teoria marelui om a istoriei cu evocarea cuceritorului lumii antice stând înalt pe o stâncă de culoarea clovnului..